21/1/14
La mirada de los otros
12 de Diciembre de 2013
Nota para Ciudad X - La Voz del Interior
Por Emanuel Rodríguez.
Majo Arrigoni es la autora de la serie “Retrato de artista”, un conjunto de fotografías de creadores cordobeses que se publicó los domingos en la contratapa del suplemento “VOS”. Ahora se transformaron en muestra y se exponen en el Cabildo.
Acá la nota online.
20/1/14
Retrato de Artista en Vos - La Voz del Interior
Retrato de Artista se publicó durante 20 domingos
(de julio a noviembre de 2013) en la contratapa del suplemento Vos.
Fotografía y Textos por María José Arrigoni.
En noviembre de 2012 Mariela leía a quien había sido su amigo, el poeta Vicente Luy, en un bar delante de unas cien personas, y lloraba. Por aquel entonces, tenía una columna literaria en radio en la que bajaba los decibeles de una audiencia rockera cuando asomaba con su lectura de una tensión casi escénica. Vestida con minifalda y medias de red, presentó en Julio su último libro, un compilado de poesías sobre recuerdos de su infancia. Leyó sus poemas en el subsuelo de la Casona Municipal y se despidió cantando un tango que la gente aplaudió de pié.
El retrato fue realizado la tarde de un jueves 18 de octubre de 2013, en la ex fábrica de cemento Minetti, en Saldán.
Por un camino de asfalto lleno de curvas, vamos en auto -Hugo al volante- en dirección a Saldán. Él me propone que lo retrate en una fábrica abandonada, lugar que inspiró años atrás uno de sus trabajos, inconcluso, que acabó destruyendo (paradójicamente) y que ahora recuerda con cierto lamento. Lo que queda de aquello que fue una cementera, son imponentes estructuras gris pálido interviniendo el paisaje aún desteñido de una tierra agobiada por la sequía. Hugo conoce el lugar a la perfección. Como una reminiscencia, elementos de su obra asoman en el entorno. Por una escalera recta que nace y se eleva casi surrealista en medio del campo, subimos al tercer piso de una estructura sin paredes. Él sufre de vértigo, pero avanza hacia arriba. Allá, la vista es imponente. La toma, sin embargo, la hacemos más tarde, entre escombros y muros, una vez que hemos bajado, nosotros y el sol.
Mariela me recibe en su casa con mate, galletas y miel. No sé si está apurada o nerviosa. Yo me siento; ella, va y viene. Desde su habitación me pregunta por mi vida. Charlamos. Después yo preparo el equipo y ella junto a su gata se acomodan a la luz del patio interior.
Mariela Laudecina (1974) nació en Mendoza y vive en Córdoba desde el año 2002. Es escritora y poeta. Trabaja en la mítica librería Rubén Libros, y dicta talleres de poesía en su casa y en la misma librería. A la fecha, lleva publicado seis libros y ha participado en varias antologías. En 2013 presentó el libro de poesías "Perfume de Jarilla" (Ed. Llantodemudo).
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Por un camino de asfalto lleno de curvas, vamos en auto -Hugo al volante- en dirección a Saldán. Él me propone que lo retrate en una fábrica abandonada, lugar que inspiró años atrás uno de sus trabajos, inconcluso, que acabó destruyendo (paradójicamente) y que ahora recuerda con cierto lamento. Lo que queda de aquello que fue una cementera, son imponentes estructuras gris pálido interviniendo el paisaje aún desteñido de una tierra agobiada por la sequía. Hugo conoce el lugar a la perfección. Como una reminiscencia, elementos de su obra asoman en el entorno. Por una escalera recta que nace y se eleva casi surrealista en medio del campo, subimos al tercer piso de una estructura sin paredes. Él sufre de vértigo, pero avanza hacia arriba. Allá, la vista es imponente. La toma, sin embargo, la hacemos más tarde, entre escombros y muros, una vez que hemos bajado, nosotros y el sol.
Hugo Aveta (1965) nació y vive en Córdoba. Es artista visual, avocado a la fotografía y al video. A lo largo de su carrera ha conseguido numerosos premios, entre los cuales destacan el Primer Premio de Honor del Salón Nacional de Artes Visuales y el premio Petrobras. La colección de los principales museos de la Argentina, el Museo MOLAS de Estados Unidos y Quai Branly de Francia, poseen obra de su autoría. En 2013 participó de la Bienal de Curitiva, inauguró una muestra en el Museo Quai Branly de París, y un nuevo trabajo en el Museo Provincial de Bellas Artes Palacio Ferreyra, en Córdoba.
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El retrato fue realizado la tarde de un lunes 19 de agosto en el taller de Ernesto, en Unquillo.El espacio pareciera contener no su obra, no su trabajo, sino su universo de inspiración. Un cubo de grandes dimensiones está enclavado en las sierras chicas de Córdoba. Por fuera, cemento, metal herrumbrado y madera curtida a la intemperie; por dentro, paredes altas contienen un silencio solemne. Las aberturas son grandes, tanto que si se abren de par en par la luz invade, entra la tarde cuando cae el sol, entra la noche, corre el viento. Es como un adentro lleno de afuera. Es como su obra, un lugar íntimo de contemplación con evocaciones al entorno inmediato, con sugerencias de un paisaje lejano.
Ernesto Berra (1947) es artista plástico, egresado de la Escuela Provincial de Bellas Artes Dr. Figueroa Alcorta. A fines de los años 60, comenzó una vasta carrera artística de incansable producción que hasta el día de hoy no se detiene. Ha realizado muestras en el país y en el exterior y ha recibido importantes reconocimientos. En Agosto de 2013, inauguró "Poética de lo etéreo" en la Sala Farina de la Ciudad de las Artes, en la que se contaban más de un centenar de obras.
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Después de un tiempo de dedicarse a la actuación, David se aproximó al mundo del clown y su nombre empezó a sonar en los medios, con obras exitosas, de importante concurrencia y premiadas. Así pasaron años de experimentación, hasta que comenzó a alejarse de ese vestuario y maquillaje de colores estridentes para abordar el teatro también desde otro lugar: cuando, para una obra en particular, David resolvió quitar el cuerpo del escenario y asumir el rol de director en pos de un mejor trabajo de equipo, sucedió el hallazgo, accidental y acertado.
Nos juntamos a hacer las fotos en el pasillo del centro cultural, espacio en donde David dio los primeros pasos de su carrera. Tomamos un café en la esquina de en frente. Él me cuenta que trajo la nariz de payaso, aunque ya no se reconoce íntegramente con esa nariz ni produciendo desde ese lugar. Sin embargo, a la hora de hacer las fotos, busca la nariz y la guarda, como si fuera un amuleto, en su bolsillo.
David Piccotto (1974) nació y vive en Córdoba. Es actor, director y docente de teatro, egresado de la Escuela Integral de Teatro Roberto Arlt y Licenciado en Gestión y Producción teatral. Desde el año 2005 participa del ciclo de improvisación clown "Mediasnoches payasas". En 2008 recibió el premio municipal al Mejor Actor con "Se nos voló". Dirigió "Payasos en Familia", premiada a la producción, dirección y puesta en escena. En abril de 2013 estrenó como director el film teatral "Las tres hermanas" con 30 funciones a sala llena.
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A principios del año 2010, luego de haberla visto actuar en Carnes Tolendas, retraté a Camila por primera vez, vestida de mujer y con barba. En aquella ocasión, me dio un cd con música que aún conservo. Coco Rosie, Nina Simone, Chavela Vargas. Ahora la retrato en su departamento. Suena de fondo Gal Costa y hay una imagen de Frida Kahlo en la pared. Más tarde, le propongo continuar con las fotos en el teatro.
El hombre que primero entra a la sala, es el padre de Camila. Le trae un ramo de flores. Es la última función del mes de Llórame un río y las entradas están agotadas. Comienza la obra. La expresión en el público refleja la carga dramática de lo que sucede. Camila canta interpretando a "Billy" Holliday y a "Tita" Merello. Entonces, se pregunta en voz alta si el nombre artístico no es acaso el nombre con el que uno debiera haber nacido.
Camila Sosa Villada (1982) nació en La Falda y vive actualmente en la ciudad de Córdoba. Es una actriz trans de teatro, cine y televisión. En el año 2009 estrenó la obra Carnes Tolendas con excelente repercusión. Es protagonista de la película Mía y de la miniserie La viuda de Rafael. En 2011 estrenó el unipersonal Llórame un río que por estos días vuelve a la cartelera del teatro.
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Algo de heroico hubo en el trabajo de quien convirtió en arte el delito, pienso, mientras miro una vez más la fachada de un centro cultural pintada entera de rojo amarillo celeste y negro, con la firma de Elián en un extremo. Elián no habla de graffity, rechaza la idea de salir a bardear la calle. En cambio, propone un plan constructivo: llevar una obra pictórica a una dimensión que entre en diálogo con la arquitectura de la ciudad. Así, probablemente se haya vuelto en el propulsor de esta reflexión y acción necesarias para una ciudad que culturalmente parece dar un paso al frente.
Elián me muestra su último tatuaje, la única leyenda que lleva en el cuerpo tan poderosa como sus ideales. Es un recordatorio -me dice-, también, un compromiso.
Elián (1988) nació y vive en Córdoba. Es artista callejero autodidacta y co-director de la galería de arte contemporáneo y cultura de calle, Kosovo, fundada en 2011. En Agosto de 2013, Elián salió de gira por Estados Unidos (Nueva York, Atlanta y Virginia) invitado a diferentes festivales de street art como representante argentino.
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Conozco el trabajo de Gabriel porque fue quizás mi primer aproximación al mundo de la fotografía desde su dimensión más densa e inquietante. Él es fotógrafo retratista, y su obra -probablemente una de las más displicentes dentro del circuito del arte de Córdoba-, gana en coraje mediante una búsqueda documental por los recovecos de una sociedad que necesita testimonios de las distintas realidades sociales, desde una mirada menos agresiva que la que propone el discurso de los medios masivos.
Gabriel tiene sus fotos colgadas o apoyadas contra la pared, en el piso, dispersas entre los pasillos y habitaciones de su casa. En ellas no hay conceptos forzados, ni denuncias armadas, ni respuestas; en todo caso, sus retratos condensan las preguntas que mantienen activa su búsqueda, las mismas quizás que interpelan al espectador frente a su improbable indiferencia.
Gabriel Orge (1967) nació en Bell Ville y se radicó en Córdoba capital. Es fotógrafo y docente. Desde el año 2000 coordina el taller fotográfico "Manifiesto Alegría". Ha recibido los premios Salón Ciudad de Córdoba, Salón Nacional Santa Fe y la beca de creación del FNA. Su obra se ha exhibido en Argentina y en el exterior y obra pertenece a la colección de distintos museos.
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Si hay un artista que ha sabido revisar la historia Argentina y cuestionar, conmover, reflexionar en torno a ideas políticas y sociales, en materia de teatro es Jorge Villegas, uno de esos tipos que poca distancia encuentran entre su vida y su obra.
Cuando llego a la sala, Jorge está con algunos representantes de Zéppelin Teatro. Ensayan el próximo proyecto a estrenarse a fin de año, "Argentina hurra! (pensé que se trataba de cieguitos)". Mientras, hablan de los guerrilleros, de las pastillas de cianuro, de la desesperación, de la necesidad de pensar la guerrilla en su contexto. Jorge menciona el último documental que vió, "Check Point Rock" de Fermín Muguruza: músicos palestinos hacen rock, la mayoría, armados. Han perdido a sus hermanos y a sus padres en la guerra, y deben pasar por un check point para ir a ensayar. Jorge cuenta el relato de tal modo que pareciera que acaba de volver de aquella imagen que nos hizo ver mientras hablaba. Recuerdo entonces el atardecer del 20 de diciembre de 2011 en que ví Zoociedad en la explanada del ex mercado de abasto. El poder de la palabra en aquella obra a cielo abierto fue conmovedora. El contexto entonces tampoco era casual. Y yo creí estar viviendo un acontecimiento artístico histórico.
Jorge Villegas (1966) nació y vive en Córdoba. Es director de teatro, dramaturgo, docente y fundador del grupo Zéppelin Teatro. Ha dirigido más de 20 obras, muchas de las cuales han obtenido importantes reconocimientos. Entre las más recientes: "Proyecto Zoociedad"(2011) y "Operativo Pindapoy" (2012), ganador, éste último, del Premio Provincial de Teatro a la mejor obra, a la dramaturgia y al mejor actor.
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Luminoso y trágico. Decorativo y denso. Alegre y severo. Cualidades en contraste que parecieran no poder convivir en un mismo espacio, sí lo hacen, sin embargo, en el que habita Celeste. La intención de la obra es llevada a un extremo, y en el entorno se filtran y materializan las reflexiones y denuncias. Amanecer, desayunar, vestir y respirar una búsqueda obsesiva e inagotable: Maladie ('enfermedad' en francés) es la obra en la que Celeste trabaja desde hace años mediante recursos perceptibles, según el caso, con cada uno de los sentidos.
En ese contexto de obra habitable, de pensamiento perceptible, en ese espacio feliz y siniestro que Celeste ha construido a lo largo de su carrera, fue donde realicé el retrato.
Celeste Martínez (1973) nació en la localidad de Villa María y se radicó en Córdoba, en donde hizo la Licenciatura de Pintura en la escuela de Bellas Artes de la UNC. Es artista visual y docente de las materias Historia del Arte Moderno y Contemporáneo, y Proyecto de Producción. Sus obra, de marcada identidad, pertenece a colecciones privadas del país y del exterior.
*Todos los elementos que aparecen en la foto son parte de la obra Maladie.
*Todos los elementos que aparecen en la foto son parte de la obra Maladie.
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Sé que a posteriori resulta predecible decir que escuchar a Cristina hablar es tan entretenido y disfrutable como leerla, pero en el momento, el encanto es sorprendente. El disparador del primer relato fue el retrato de Doña Victoria posando desde un rincón luminoso del living de su casa. Hay tanta precisión y detalle en sus recuerdos que sospecho que la memoria es su principal aliada a la hora de escribir. Esto, y la curiosidad desde muy joven por buscar y encontrar historias en todo lugar. Ella me recomienda leer policiales como ejercicio para la memoria (y la especulación), me lo recomienda como fanática del género, como lectora insaciable. Su vínculo con el policial me remite a los coleccionistas de cómics, a los consumidores de series de televisión, a los adictos a las sagas, esos que esperan la próxima publicación haciendo cuenta regresiva.
Son las cinco de la tarde y Cristina amaneció hace unas horas. Me cuenta que escribe por las noches, casi hasta la madrugada. Tiene los horarios dados vuelta y la vida así organizada. Antes de hacer las primeras tomas, hablamos de fotografía, de las fotos que le han hecho y de la importancia de reconocerse en el retrato.
Cristina Bajo (1937) nació y vive en Córdoba. Es una de las escritoras cordobesas más leídas en Argentina, con libros editados en España, Grecia, Portugal y Rumania. Es autora de la conocida saga de los Osorio -"Como vivido cien veces", "En tiempos de Laura Osorio", "La trama del pasado", "Territorio de penumbras"- que pronto llegará a su fin con la publicación de la última entrega en la que actualmente se encuentra trabajando. Asimismo, "Cierva de Dios, ama de la muerte" (posteriormente titulada "El jardín de los venenos"); "Tu, que te escondes", entre otras, son obras de su autoría.
Es columnista de en distintos medios gráficos del país, entre los cuales destaca la revista Rumbos, de distribución nacional.
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El retrato fue realizado la tarde de un día martes 2 de julio de 2013 en la casa de Julián Lona, en Villa Allende.
Julián no sale de su asombro. Hace dos meses vio la luz CISMA, el video documental de rock que produjo y dirigió durante dos años entrevistando a músicos y personalidades vinculadas a la escena, y las repercusiones no cesan: el video se está proyectando en salas de todo el país y los medios más importantes le han puesto el ojo encima. Entre la calma y la ansiedad, Julián me habla de sus proyectos. Afuera cae el sol.
En la calle, detrás y arriba de los escenarios de rock, a cualquier hora y en cualquier lugar, Julián tiene un plan: filmar. Después vuelve a su habitación, se sienta en su computadora y edita ese material que acumula en una cámara semi-profesional.
Julián Lona (1989) nació en Córdoba y está terminando la carrera de Cine en la UNC. A principios del 2013 presentó CISMA, documental -autogestionado y autofinanciado- sobre la industria musical en la era de la Internet. El estreno en Córdoba se hizo en el Cineclub Municipal Hugo del Carril y pronto salió de gira por todo el país. En septiembre de 2013 CISMA fue proyectado en la Biblioteca Nacional (Buenos Aires).
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Carlos me recibe en su escritorio, en donde se encontraba repasando un libro/boceto cuya tapa decía, escrito con su propio puño y letra, "El infierno de Carlos Alonso". Se trataba de un proyecto expositivo y editorial que estaba preparando para finales de año. El ambiente contiguo, un salón -con tablones, obras, un hogar en el centro y grandes ventanales con vista al jardín-, es hoy en día su espacio de trabajo, lugar donde dibuja y pinta sobre papel. Fue en ese espacio en donde Carlos posó para la foto.
Carlos Alonso (1929) es uno de los grandes maestros de la pintura argentina. Nació en Mendoza, debió exiliarse y en los años 80 se radicó en Córdoba. En las últimos décadas, su trabajo se caracteriza por su alto contenido político y compromiso social.
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El retrato fue realizado la tarde de un martes 25 de junio de 2013 en el departamento de Luciano Lamberti, en barrio General Paz.
Si no existe una guía que indique cómo comenzar una conversación, una provocación puede ser una manera de hacerlo, por qué no. Una pregunta incómoda, también. O quizás así lo entiende Lamberti. La primera vez que lo retraté fue en el año 2009, en un descampado en las afueras de Córdoba. Camino al lugar, Luciano sugería ideas entre ridículas y grotescas sobre cómo fotografiar a escritores. Ahora lo retrato en su habitación. Él me incomoda con preguntas formuladas con cierta gracia; yo intento un par de respuestas casi siempre desacertadas. Luego, el silencio no le perturba. Tiene la computadora encendida y un proyecto en camino del que no me quiere hablar. En la biblioteca hay una foto en blanco y negro de Burroughs y Kerouac en una playa, ambos en traje de baño. Recuerdo que Luciano es amante de la fotografía y que alguna vez dijo que para escribir hay que aprender a mirar.
Luciano Lamberti (1978) nació en San Franciso y se instaló en Córdoba Capital en 1997 para estudiar Letras en la UNC. Es escritor, docente de Lengua en un colegio secundario y dicta un taller de escritura creativa. Ha publicado "El asesino de chanchos" (Tamarisco, 2010) y "El loro que podía adivinar el futuro" (Nudista, 2012).
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El retrato fue realizado la tarde de un lunes 15 de julio de 2013 en la casa de Marcos, en barrio San Vicente.
Cuatro años atrás descubrí la obra de Marcos Acosta. Era diciembre del 2009; era la siesta de un martes. La ciudad ardía de calor y yo entraba al Museo Caraffa a ver la exposición que había inaugurado por esos días el fotógrafo y artista Hugo Aveta. Fue en esa ocasión cuando me encontré con "Origen de la catástrofe", una imponente muestra montada en tres salas con pinturas al óleo de grandísima escala, y una selección de trabajos sobre papel. Tres salas cargadas de dramatismo, color e intensidad. Hay que ocupar semejante escenario, pensé, y me pregunté quién sería el autor de la obra. Días después lo retraté por primera vez en su taller. Marcos tenía entonces 29 años y "las mismas obsesiones de siempre": la muerte, el tiempo, el ser humano y su relación con el universo.
Ahora lo retrato otra vez. Su obra ha dado giros, ha cobrado mayor envergadura y parece reflejarse en ella aquellas obsesiones, no sólo en su imagen y dimension, sino también en sus recursos técnicos, materiales, y en su incansable ritmo de producción.
Marcos Acosta (1980) nació y vive en Córdoba. Es Licenciado en Pintura (UNC) y dicta un taller de producción y pensamiento en su propio espacio de trabajo. Ha realizado numerosas muestras en museos y galerías del país.
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El retrato fue realizado la tarde de un lunes 1ro de septiembre de 2013, en la casa en donde María vive con su abuela, en Villa Allende.
María me señala la huerta como un paisaje que la va a acompañar siempre. Me cuenta que siempre supo que el teatro era su vida. "Siempre", dice y no duda, como quién se ha figurado el camino desde muy joven y entonces no ha hecho más que trabajar con determinación dentro de un campo certero, lleno de preguntas que enriquecen la búsqueda, lleno de hallazgos, como los libros que encontró y que resultaron los disparadores de las obras que dirige. Leer un libro y que te transpiren las manos, me dice. Desde ese lugar y con esa urgencia, María compone su obra -en su mayoría biográfica-, atravesada por la poética y el drama de las vidas que le conmueven.
María Palacios (1984) nació en Córdoba y se recibió de Licenciada en Teatro en la UNC. Es directora de teatro y docente. Ha dirigido su exitosa ópera prima, Carnes Tolendas, estrenada en 2009 y con más de 150 funciones hasta la fecha. Otras de las obras que ha dirigido, son El hervor de la piel, El Errante, y Llórame un río (2011), que por estos días y hasta octubre se encuentra en cartelera en el teatro La Cochera.
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Si uno se pusiera a hacer números, pareciera que los tiempos no dan: Matías tiene 31 años y en total más de quince cortos, medios y largometrajes dirigidos, co-dirigidos, guionados y producidos, según el caso. Es co-fundador de una productora que tiene a Córdoba -y con un matiz bien cordobés- participando de festivales nacionales e internacionales, y sus películas y series se han proyectado en salas de cine y en la televisión.
La casa que ocupa la productora está vacía. El equipo se encuentra instalado en la montaña, grados bajo cero, trabajando para una película. Matías me habla de los seis proyectos que están desarrollando actualmente. Frente a un ritmo que sólo se sostiene con vocación y esfuerzo, a Matías se lo ve sereno y contento, y sostiene que Córdoba necesita espacios de crítica y debate para proyectos independientes.
Matías Herrera Córdoba (1982) nació y vive en Córdoba. Estudió Cine y Televisión en la UNC. En 2003 realizó "La Creciente", su primer cortometraje, al cual le siguieron "Calle de la Libertad" y "Mis pies". En terreno de largometrajes documentales, dirigió "Criada" y co-dirigió "Buen Pastor, una fuga de mujeres". Su último largometraje de ficción, "El Grillo", se encuentra en etapa de posproducción para estrenarse en 2014. Es fundador, junto a Juan Maristany, de la productora independiente Cine El Calefón, conformado asimismo por Ana Apontes, Ezequiel Salinas y Lucía Torres.
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Decidimos subir al techo. Pablo me explica pedagógicamente de qué modo hacerlo; luego, me muestra cómo. Me pregunta, preocupado, si me da miedo, si soy ágil para "estas cosas". Le digo que sí, que cuando voy al campo me gusta cruzar el río por las piedras y que lo sé hacer bien. Él toma tantas precauciones que de pronto creo que quizás corro peligro. Una vez arriba, le pregunto si puedo hacer un banco con los ladrillos sueltos. Él duda. Después me dice que sí, pero que tenga cuidado, que en los agujeros de los ladrillos habitan pequeños animales (me cuenta que siempre piensa en eso). Me río, creo que exagera. Pero Pablo habla en serio. Entonces recuerdo el primer retrato que le hice años atrás para el cual quiso posar sosteniendo un samurai de juguete entre sus manos; pienso en sus canciones, en su narrativa y en su poesía atravesada por la infancia, y en la necesidad del peligro para que la aventura exista.
Pablo Natale (1980) nació en Rosario y vive en Córdoba desde los 7 años. Es escritor y músico. En 2008 publicó su primer libro de cuentos "Un oso polar", al cual le siguieron los poemas de "Vida en común", los libros para niños "Cuatro Cosmo Cuentos" y "Berenice y las ocho historias del pálido fantasma", y su nouvelle más reciente, "Los Centeno". Coordina talleres de escritura y escribe para diversos medios del país. Es cantante y guitarrista de la banda "Bosques de Groenlandia" que en 2013 presentó su segundo disco, "Fuga y Fábula".
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Son las 5 de la tarde y el bar está cerrado. Rosendo me hace pasar, atravesamos las mesas y nos vamos hacia el fondo. Él me convida mate. Luego me señala la pared sobre la que cada noche, desde hace 7 años, algún estudiante de cine presenta una película que se proyecta en medio de la oscuridad alumbrando los rostros de quienes conforman una escena chica pero ambiciosa: el mundo del séptimo arte desde quienes lo ponen en debate, lo investigan, lo cuestionan, mientras probablemente sueñan con realizar su propia película. Desde el under de una ciudad con una industria cinematográfica demasiado joven, Rosendo propone un espacio para pensar el cine, mientras que avanza incansablemente con la producción de sus propios proyectos.
Rosendo Ruiz (1967) es director de cine, nacido en San Juan y radicado en Córdoba. Hizo la Licenciatura en Cine en la UNC y estudio teatro en la universidad y en La Cochera. Es el director de De Caravana, película estrenada en 2011 en las salas comerciales permaneciendo 17 semanas en cartelera. Asimismo, es dueño del Cinéfilo Bar y conforma el equipo de la revista Cinéfilo, para la cual también escribe. Actualmente, se encuentra trabajando en el proceso de pos producción de Tres D, su próximo largometraje a estrenarse en 2014.
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No me quise alejar del río, me dice Sol, ahora, cuando vuelvo a retratarla años después en su nuevo espacio de trabajo. Me cuenta que antes de mudarse salía por las noches a recorrer las calles en bicicleta para explorar el ritmo y el ánimo del barrio, un barrio de ciudad con atajo al río, un río que es más bien una evocación de río, la naturaleza lumpen que atraviesa esta ciudad.
Como si de una metáfora se tratase, la obra de Sol emerge de la oscuridad densa para asomarse a otro universo de colores vibrantes. Los mundos no parecen tan lejanos en el espacio pero sí en el tiempo, como adentrarse en la naturaleza una noche fría de invierno y despertar una tarde de primavera con el color de la última luz del día.
Sol Halabi (1977) nació y vive en Córdoba. Es artista plástica, recibida de Profesora y Perito en Artes Plásticas por la Escuela Provincial Figueroa Alcorta, y licenciada en Pintura por la Escuela de Artes de la UNC. Abocada de lleno a la producción, su obra pertenece a colecciones privadas y participa cada año de muestras en el país y el extranjero. Por estos días y hasta el 30 de octubre, su serie de pinturas "...Y otra vez primavera", se exhibe en la sala 2 del Museo Caraffa.
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Cuando cuento que voy a retratar a una artista que se dedica a la performance, me preguntan de qué se trata "eso"... y la respuesta se me hace difícil. "Es arte expresado en acciones, de algún modo poéticas, que intentan generar una reflexión o conmover al espectador", digo y la definición se me escurre entre las palabras. Es que, básicamente, un arte no mercantil resulta poco convincente. Pero la obra se parece al artista. En la austeridad de su contexto más íntimo, y en una charla -té mediante-, Soledad me confiesa que le pasa lo mismo cuando le preguntan a qué se dedica, ella, que fue una de las precursoras de esta disciplina aún joven en Córdoba, que sigue trabajando incansablemente por pensar mediante la acción, que enriquece el diálogo generando intercambios con artistas del mundo. Desde un discurso ligado a la reconstrucción de su historia y a la Memoria de nuestro país, Soledad cree en lo simbólico del "gesto" y a base de esto construye su obra, a veces melancólica, a veces dolorosa.
Soledad Sánchez Goldar (1977) nació en Buenos Aires y se radicó en Córdoba. Es Licenciada en Teatro y se dedica al arte de la acción, más conocido como Performance. Sus obras han sido presentadas en festivales de distintos países del mundo, entre los cuales se encuentran Brasil, México, China, Alemania, y ha participado en la Primera Bienal Internacional de Performance "Deformes" en la Biblioteca de Santiago de Chile. Desde 2011 organiza el ciclo de performance “Aún sin título” y co-organiza Nómades, un festival internacional de performance e intervenciones urbanas.
Retrato de Artista: cómo será la contratapa de VOS de domingo
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Retrato de Artista: cómo será la contratapa de VOS de domingo
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